José Manuel Ballester: La Abstracción en la Realidad – Alcalá 31 – Madrid
Cuando por casualidad tropecé con el libro Habitación 523 de José Manuel Ballester (Premio Nacional de Fotografía 2010), este pasó a ser uno de mis artistas de referencia en el terreno de la imagen de espacios arquitectónicos y urbanos. Viendo sus últimos trabajos me sorprende que, desde aquellas series de pinturas y fotografías hasta sus últimos trabajos digitales, no parece existir una línea nítida que delimite unos trabajos y otros.
Ballester pertenece a una generación de artistas que empezó a formarse en una época en la que lo digital era solo una herramienta empleada por la NASA y algunas empresas potentes mas. En algunos organismos públicos en España comenzaban a utilizarse las tarjetas perforadas (yo las toqué!!). A muchos (no es el caso de Ballester), la irrupción del entorno digital en el arte y en los medios gráficos les ha otorgado el poder de autoproclamarse maestros en el manejo de la luz (cosa que no hay que negarles), por haber trabajado durante años con técnicas no digitales, frente a aquellos que no han tenido la oportunidad de tener otra vida para investigar dichas técnicas. Cuando oigo a estos talibanes pienso que todos los artistas deberían tener una vida para ser expertos en pinturas al fresco, otra para dominar el oleo, otra para el grabado, otra para los dagerrotipos, otra para las impresiones en papel, otra para las técnicas digitales … y así nadie podría poner en duda el talento de nadie basándose en que no ha pasado 30 años de su vida haciendo lo que ellos ha hecho.
En muchos casos parece que esta actitud refleja la impotencia de estas personas para superar una frontera difícil de asimilar para aquellos que han basado la búsqueda de un resultado en el empleo de técnicas donde la intervención manual era imprescindible en casi todo el proceso. En Ballester el empleo de PhotoShop (o cualquier otro programa profesional de edición digital de imágenes) supone una «herramienta mas que le facilita la obtención de un resultado». Ha basado su madurez artística en perseguir ese resultado, independientemente de la técnica utilizada. La cualidad de los espacios que fotografía sigue siendo la misma. Emplea las herramientas digitales imprescindibles (sin dejarse cegar por los resultados fáciles de PhotoShop) para obtener la imagen que el persigue.
Ballester tiene ya hace tiempo un lenguaje personal, una manera única de “pintar” el espacio y el aire en sus fotografías. La tecnología (sea cual sea), se convierte en un medio, no en un fin. Alcanzar este punto es el reto mas difícil. En mi opinión, poseer un lenguaje propio en la fotografía creo que es mas difícil que en cualquier otra área de representación visual. Veo la fotografía como una disciplina tremendamente limitada para conseguir ese objetivo; entendiendo que usemos la fotografía como un medio directo para captar algo que vemos y sentimos. El uso de infinitas combinaciones de filtros, degradados, efectos … que tenemos a disposición en Photoshop, en pocos casos se convierten en una ayuda para desarrollar un lenguaje visual propio, y en la mayoría de los casos nos puede llevar a callejones ya transitados.
Ballester considera PhotoShop «… una herramienta que ha introducido una revolución en el mundo de la representación de la imagen, tan importante como lo fue en su día la aparición del óleo en la pintura (…) un tratado de pintura …” a golpe de clic. “No solo ha incorporado todas las técnicas tradicionales de la pintura y la fotografía, sino que ha incrementado exponencialmente las posibilidades al poder combinar todo tipo de técnicas digitales con tradicionales”.
Sus fotografías van mas allá de conseguir un buen encuadre que explique el edificio, con las líneas convergentes y la temperatura de color corregidas. Una exigencia, me da la impresión que impuesta (a partes iguales) por la propia naturaleza del género fotográfico arquitectónico y por las demandas editoriales del sector. Quizá por eso no veo con frecuencia fotografías de Ballester en publicaciones de arquitectura (?). En un panorama repleto de fotografías de arquitectura y espacios urbanos tan extremadamente nítidos, hipercontrastados y perfectamente limpios, al punto que a veces no se distinguen ya las infografías de las fotos reales (yo lo llamo “efecto Harry Potter”), sorprende la contención de Ballester a la hora de obtener sus imágenes. El quiere que el espectador, cuando mira sus fotografías, se olvide de la eterna pregunta: “¿Estará hecho en digital o revelado químico?”.
En esta misma web podéis ver el reportaje fotográfico del espacio (espectacular) donde se exponen las fotografías de Ballester, que a su vez, son fotografías que representan espacios expositivos; un bucle algo obsesivo que recuerda a aquella historia (no recuerdo si real o ficticia) que Susan Sontag cuenta en su libro On photography, sobre alguien que se obsesionó tanto con las imágenes fotográficas que terminó haciendo fotografías de las propias fotografías. Tenéis hasta el 20 de noviembre.
Algunas ideas del texto están extraídas de las propias palabras de Ballester durante la presentación del libro de la exposición, organizada por La Fábrica Editorial el 3/oct/2011.
Sala Alcalá 31 – C/ Alcalá, 31 (Madrid).
Del 8 de septiembre al 20 de noviembre.
Exposición comisariada por Lorena Martínez de Corral.
http://www.josemanuelballester.com/
Jacques Henri Lartigue_Caixa Forum_Madrid
Observando las imágenes (ahora ya no queda bien decir «fotos») de Lartigue, tomadas en el siglo mas sangriento de la historia, dudo sobre quien lo pasaría mejor, si el fotógrafo o los personajes que se ofrecían (casual o intencionadamente) a posar. Carreras de coches, damas luciendo sus modelos mientras pasean los parques (aparentemente ajenas al ojo indiscreto), amigos y conocidos de Lartigue compitiendo sobre caminos terreros conduciendo «megamonopatines» (!) … las ruedas escupen gravilla, friki-saltadores de sillas, gente saltando en todas las posturas posibles – aquí la visión de Lartigue es mucho mas fresca, original y sorprendente que los millones de imágenes que los usuarios adolescentes de las redes sociales cuelgan en sus perfiles, emulando (inconscientemente?) campañas publicitarias de yogures BIO …..
A Lartigue le apasionan estas imágenes, inestables hasta el límite. A veces (muchas) se cruza este límite, y el estaba preparado para recoger posturas inverosímiles, seguro que poco vistas en aquella epoca. Si hay quien llama al cine fotografía en movimiento, las fotos de Lartigue son «cine congelado». Con el se afianza la fotografía instantánea, capaz de capturar escenas que con las incómodas cámaras de placas y trípode, era casi imposible. El tradicional «fotógrafo de pose» plantaba su cámara y, esta actuaba como un imán para los sujetos, que debían situarse frente a ella. Lartigue invierte el concepto. Aprovecha la absoluta libertad de movimientos de sus motivos, que actuan de imán para su mirada. El es quien se desplaza.
Optimista y vividor feliz (en el buen sentido), Lartigue siempre defendió su visión y técnica «incontaminada» debido a la falta de interés que demostró en el estudio de fotografías de sus contemporáneos y predecesores. Sería precioso creer que su experiencia visual es fruto de su propia experiencia como testigo fotográfico de todo lo que atrajera su atención. Una especie de «art brut» fotográfico …. pero no. Posiblemente no fuera un asiduo de exposiciones, ni se molestara en investigar las técnicas de otros fotógrafos. Y aunque entonces la invasión de imágenes no había anestesiado todavía por sobredosis los ojos de las personas, pienso que un ojo «entrenado» como el suyo no podía escapar a la cantidad de revistas ilustradas que ya se publicaban en la epoca. Pienso que, indirectamente, si recibió influencias de forma inconsciente, aunque el lo negara.
Id a verla. Es la primera vez que se expone un monográfico de Lartigue en EJJpaña y está montada muy, muy bien, con unos paneles de metacrilato (?) con texto, muy molones. Termina el próximo domingo 19; siento no haberos avisado antes. Saldréis jadeando de tanto movimiento. Divertida, divertida y fresca.
http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/lartigue_es.html
CaixaForum Madrid, Paseo del Prado, 36 – Hasta el 19 de junio (domingo)
Fotones en Madrid Foto_IFEMA_Hasta 8 de mayo
En IFEMA de Madrid se celebra la 3ª (creo) feria de fotografía contemporánea. Id, id, id ya, que es hasta el domingo 8 de mayo. Hoy era entrada gratuita para profesionales, pero aunque haya que pagar entrada a partir de mañana, merece mucho la pena. Se han reunido varios galeristas de Madrid, Barcelona, Londres, etc… y se expone «the really very, very best of» los mejores trabajos de gente consagrada en la foto contemporánea, pero también gente que se está abriendo camino muy buena!!!. Es como visitar un montón de galerías pero en un mismo pabellón. La visita merece tomárselo con calma y hacer una parada técnica a mitad de recorrido. Ocupa el pabellón 5 del IFEMA.
Si no vais mucho a expos de foto porque no tenéis tiempo por estar trabajando el doble para ganar la mitad (es lo que se lleva ahora), pero os apetece daros una dosis de «fast-food» fotográfica y poneros un poco al día de quien está en el «candelabro», esta es una ocasión inmejorable. La calidad técnica de los trabajos es excelente y las propuestas conceptuales … pués hay de tó. Han quitado la entrañable moqueta «rojo-IFEMA» (existe el Pantone, no es broma!) y han optado por dejar en pelotas el suelo de hormigón lleno de churretes y pelusillas, al estilo matadero o loft guay bohemio, lo que se agradece.
En cada stand de la feria, además podéis robar caramelos de colorines y postales con fotos muy bonitas para pinchar en vuestra casa. Sus paso el enlace para mas info y una foto robada. Id en metro que aparcar es un infierno. Salud y trabajo.
http://www.ifema.es/feriasnoifema/madrid_foto.html
Adam Fuss
Adam Fuss – Fundación MAPFRE – Pº Recoletos, 23 (Madrid) – Hasta 17 abril 2011
Entre tanto píxel digital, y a pocos años de cumplirse 200 años del nacimiento de la fotografía, todavía hay quien sigue jugueteando con los haluros de plata y experimenta con técnicas como daguerrotipos, papel cibachrome, etc…
Para los que se preguntan si la impresión fotográfica, a partir de la imagen captada por un sensor, ha superado al revelado químico, recomiendo ir a toquetear (perdón, a ver) las imágenes de Adam Fuss. Esta exposición muestra el trabajo de los últimos 23 años que Fuss lleva realizando en este campo. Se lo toma muy en serio y sus imágenes muestran la extremada nitidez que puede conseguirse con estos procedimientos. A este tamaño se observa como, el límite de la nitidez viene impuesto por la calidad de la lente y el tamaño del negativo/diapositiva, pero no por la fijación química sobre el soporte que, en mi opinión, sigue teniendo una ca(cua)lidad insuperada.
Si el gran Joan Fontcuberta pudiera opinar, posiblemente ni siquiera entraría en este debate, para muchos sin mucho sentido, en un mundo repleto de gadgets gigainyectados de información, y donde el 99% de las veces las imágenes desembarcan en dispositivos con pantallas minúsculas. Las imágenes de artistas como Adam Fuss parece que están condenadas a vivir en galerías de exposiciones y museos para poder apreciar su calidad.
Esta muestra me hace pensar hasta que punto los artistas que trabajan con procedimientos fotográficos (que no es lo mismo que un fotógrafo, ¿no?) están condicionados, cada vez mas, por los dispositivos de reproducción de imagen digital. La fantástica trayectoria filosófica sobre la imagen de Fontcuberta demuestra esto.
En cualquier caso estos ejemplares únicos de humos, sombras, estelas, movimientos, transparencias, tejidos, arquitecturas … ofrecen reposo para nuestra mirada obligada diariamente a asumir imágenes impuestas, a las que apenas prestamos atención. Imágenes que nuestro recuerdo ha almacenado, mediante el poco creativo (pero muy efectivo) recurso publicitario de la repetición.
Me pregunto si Adam Fuss quiso obligarnos a mirar de otra forma en su serie de 4 retratos, a base de gelatinas de plata. Son reproducciones de tamaño medio sobre los cuales la mirada de los visitantes pasa, sin advertir otra cosa que un fondo gris oscuro. La iluminación de la exposición es buena, pero nuestra costumbre de barrer imágenes por segundo, nos impide MIRAR OTRA VEZ. Si se prueba a mirar estos “grises” desde distintos ángulos aparecen mágicamente los rostros, con líneas gris sobre fondo gris (!). Cuesta mucho distinguirlos, pero el premio es mágico. Están ahí. Nunca he visto una fotografía con una gama tonal tan estrecha que apenas se reconoce la imagen (¡que gran idea para una campaña publicitaria!).
Los valores de estas imágenes no están en la inmediatez, espontaneidad, su discurso conceptual …. Se trata de disfrutar de una imagen sin mas. No diremos que son “bellas”, no sea que los amantes de los cubos de basura (entre los que me encuentro) nos empalen por blasfemia. Hay que ser muy valiente para hacer hoy lo que hace Fussssssss.
Un privilegio ver imágenes reveladas por procedimientos químicos y con estas dimensiones. No hay muchas ocasiones para ver algo así. ¡¡Quedan pocos días!! … amos, amos, amos!!
Martín Santos Yubero – Crónica fotográfica 1925-75
Crónica fotográfica de medio siglo de vida española 1925-1975. Sala Alcalá 31 – Madrid. Hasta 16 de enero.
Recomiendo visitar previamente la expo (la tenéis justo en frente, en el Círculo de Bellas Artes) de Horacio Coppola. Al ver el tamaño de las ampliaciones de las fotografías de Yubero, las del CBA parecen cromitos; tan solo se debe a la cámara que utilizaba Yubero, con negativos de placas de gran formato, que permitían unas ampliaciones enormes sin pérdida de calidad. No es una crítica negativa (los contenidos de las 2 exposiciones, que es lo que importa, son diferentes). Pero desde luego impresiona la calidad de las imágenes. Y ahora nos morimos por una m_ _ _ _ a de sensores digitales.
Ya se han visto muchas exposiciones con imágenes de la preguerra y la posguerra española, pero aquí tenemos la oportunidad de ver un material salvado, de gran formato y realizado por un reportero gráfico que tuvo la ocasión de estar presente en gran cantidad de acontecimientos de la república y la época de la dictadura. Muy recomendable.
Se pueden ver el tipo de cámaras que utilizaba y un cuaderno donde registraba (en un Excel) los datos de sus fotografías, con las fechas, notas, etc… Y una publicación de la epoca donde se le hacía una entrevista, y Yubero se quejaba que con las nuevas cámaras (tan portátiles) no tenía mérito hacer fotos … «habría que verlos cargando con las cámaras de placas de entonces» … Pués, si, pero al menos antes no os volvían locos con cambios en tecnología digital cada temporada, que hace que los fotógrafos no acabemos nunca de sacarle el partido a los equipos y nos pasemos a veces mas tiempo pendientes de problemas de «hiper nitidez digital» que de sacar adelante nuestros propios proyectos fotográficos.
http://www.esmadrid.com/es/cargarBuscadorAgenda.do?codigoEvento=E10152&codigoLocal=1708&tipo=1
Paco Gómez – Para llorar
Gónzalo, que atendía la librería de La Fábrica Editorial, me recomendó (que ojo tuviste!!) el libro «Paco Gómez» de PHotoBolsillo. Se me saltan las lágrimas cada vez que lo ojeo. ¿Tiene sentido seguir fotografiando tapas de alcantarillas, tuberías rotas, esquinas, grietas, sombras … después de ver lo que hacía Gómez en los años 50???. Composiciones poéticas, puras, al servicio de la sencillez y de un lenguaje propio (que dificil hoy!). El estudio preliminar es de Ramón Masats, que tuvo la suerte de conocerlo, y de quien también recomiendo (!) su monográfico en esta misma serie.
Atención!!!. RM Verlag acaba de editar el libro «PACO GÓMEZ. FOTOGRAFÍAS» en tapa dura, con una acertada y jugosa introducción de Laura Terré. No es barato (como casi todos los libros de fotografía en tapa dura y buen papel), pero Gómez merece. Una sorpresa que uno de los mejores fotógrafos de la segunda mitad del s.XX en España … y en Europa, tenga tan pocas referencias. Quizá por no haberse «vendido» bien (?) o por no haber hecho una fotografía documental o de retrato mas «comercial», menos «purista» (perdón por el palabro y tanta comilla), menos «reconcentrado» en su propio lenguaje. A ver si se organiza una expo en Madrid.
Os pensaba buscar algún enlace interesante sobre Paco Gómez en internet, pero hay muchas mas referencias a un tal Paco Gómez (presidente del FC Cartagena). «El furgol es asín».
De momento, en Barcelona están organizando un monográfico del 6 de octubre al 29 de enero 2011 en la Fundación Foto Colectania. Os paso el link. Yo igual me alejo hasta allí. Si alguien se anima, comparto gastos de coche.
http://www.colectania.es/index.php?i=1&p=2
Humanos – Acciones, historia y fotografía (Alcobendas_Madrid)
Si os apetece una exposición de fotografía con un hilo argumental que explique el «conceto» del autor, con una temática muy definida, etc, etc …. esta, no es vuestra exposición. Aquí, sencillamente se plantea (nada menos que!!) un recorrido por los mejores fotógrafos de España, EEUU, Francia… García-Alix, Eugène Atget, Paco Gómez, Capa, José Manuel Ballester, Man Ray, Fontcuberta ….. no sigo. Un par de muestras de cada autor.
El centro de arte está nuevecito, pa estrenar. Lo dicho, no esperéis otra cosa que una gran oportunidad para ver de cerca un montón de obras de los mejores. Hay muchas cesiones del IVAM de Valencia (gracias mil). Eché de menos un vidrio mas antirreflectante para las fotos y una letruja un poquín mas grande para no tener que arrugar los ojos cada vez que hay que consultar datos. Tiene el tamaño «ferpecto» (como diría Obelix); no agota. Y no miro a nadie. Hace unos días asistí a la inauguración de una expo de arte (retrospectiva de la posguerra) buenísima, al lado de Atocha (jaja, lo he dicho), pero agotadora (!!). Reconozco que al final vi las últimas salas haciendo footing y viendo doble. ¿Son necesarias muestras tan extensas??.
Os paso un par de links para mas info. Ya estáis yendo.
http://www.centrodeartealcobendas.org/
http://diaz-maroto.blogspot.com/2010/11/humanos-acciones-historia-y-fotografia.html
Sebastian Schutyser
2 fotos tomadas de la revista EXIT (números 36 y 37 dedicados a fotografía de arquitectura), del fotógrafo Sebastian Schutyser. En los enlaces podréis ver el resto de imágenes. Depués de 50 años, la escuela de Düsseldorf impulsada por el matrimonio Bernd y Hilla Becher sigue proyectando una sombra muy alargada … y le siguen creciendo ramas. Afortunadamente. Aunque Schutyser aporta otras cosas distintas a la rigidez objet(obses)iva del trabajo docu(monu)mental de los Becher …. y sobre todo, ¡¡nuevas tipologías!!.
Te encuentras con una vista frontal de una construcción, estás suficientemente alejado, no hay gente, no hay edificaciones colindantes y alrededor sólo hay suelo y cielo (a ser posible color «gris centroeuropeo»). ¡¡Como no vas a jugar a ser un poquito Becher!!??. No me suelen gustar los efectos de viñeteado (buscado o no) ni de desenfoque selectivo en las fotografías, pero en este caso si (en la serie de ermitas). ¿porque en este caso si?. No se contestar a eso. Disfrutad de las imágenes.
http://www.sebastianschutyser.com/engels/banco-01.html
http://www.sebastianschutyser.com/engels/ermita-01.html
Gabriele Basilico – Ciudades
Las fotografías de ciudades como Beirut, Santiago de Compostela, Nápoles, Milán, San Francisco, etc… realizadas por Basilico (arquitecto y fotógrafo) producen una emoción parecida a los paisajes de Ansel Adams (salvando las diferencias). La lectura de «Arquitecturas, ciudades, visiones – Reflexiones sobre la fotografía» (La Fábrica Editorial – Biblioteca BlowUp), puede modificar la forma de mirar y recorrer una ciudad. Pocas veces el aire y el silencio están tan presentes como los propios edificios. La mayoría de sus trabajos son en B/N. Como dice mi amigo Fred «es tan fácil el B/N; todo queda tan bien…». Es cierto, y sin embargo las imágenes de Silicon Valley (en color), de Basilico, tienen el mismo poder de atracción. Sus libros de fotografías se «leen» igual que un libro con sólo texto. Se lee su composición, encuadre, el momento del día adecuado. Sus fotos, no sólo representan partes de ciudades; te cuentan también la historia de como pudo realizar dichas tomas … y además … tiene una buena cámara (!).
Susan Sontag – Sobre la fotografía
¿Como alteran las imágenes fotográficas nuestro código visual? ¿cual es el ideal fotográfico de un fotógrafo aficionado? ¿y de un turista?, ¿puede una fotografía ser fea?, etc, etc, etc …. un pequeño enorme libro y una fuente fiable para abrirnos a otros mundos. Grande, grande y luminoso.
Este ensayo, simplemente, hay que leerlo … varias veces … y hacer un esquema resumen y comentario de texto. Y se entiende todo : ())) … bueno, yo casi todo. Cuando empecé a leerlo pensé: ¡¡que bueno es estooo!!. Que pena que no tenga índice onomástico; así que me lo hice yo según lo leía. Afortunada, Annie Leibovitz, por haber compartido parte de tu vida con una mujer tan lúcida y atractiva (!).
